COMO HACER UNA LAMPARA DE LAVA

El día de hoy aprenderemos a construir una lámpara de lava fría utilizando sólo materiales de la cocina  y explicaremos detalladamente como funciona, sigamos los pasos que se muestra a continuación:

Materiales necesarios

Un comprimido de Efervescentes	Aceite vegetal	Vaso o jarra de vidrio

 Instrucciones:

1. Llene hasta 1/4 del recipiente con agua
2. Agregué el aceite
3. Inserte las pastillas  efervescentes
4. Observe lo que sucede.

Veamos el vídeo:

Explicación:

Las pastillas efervescentes incluyen bicarbonato de sodio, el cual posee gas de dióxido de carbono encerrado en su estructura, y un ácido deshidratado (tal como ácido cítrico o tartárico) esta no se comporta como un ácido hasta que se pone en agua, en cuyo punto el ácido libera el dióxido de carbono que forma burbujas.

Las burbujas forman una espuma que flota en el agua y también en el aceite, sin embargo el agua y el aceite son inmiscibles – que no se mezclen juntos por lo que la espuma se mantiene  en forma de lava  y flota hacia la superficie, donde las burbujas del recipiente y  los sumideros de agua restantes hacen reincorporarse nuevamente hacia la parte inferior del agua.

¿Cómo funciona una Lava Lampara Real?

Una lámpara de lava real funciona de forma similar,  consiste en una botella de vidrio que mantiene el agua, cera translúcida y una bombilla de iluminación. La cera debe mantenerse más densa que el agua a temperaturas de ambiente y menos densa en temperaturas más calientes. Dado que la cera fundida y el agua son dos líquidos inmiscibles por tanto no pueden unirse. La cera permanece en la parte inferior del cristal hasta que el calor de la base hace que se derrita , haciéndose menos densa que el agua y por lo tanto se elevará. Al estar lejos del calor la cera nuevamente se enfría y vuelve hacia la parte inferior.

*ESTA INFORMACION NO ES MIA SOLO LA COMPARTO

ATT. DOMINIK

CIENCIA, MUSICA Y TECNOLOGIA.

La música es una forma de expresión del ser humano y que le distingue de los animales pero ¿qué papel juegan los avances tecnológicos en el desarrollo creativo y a la hora de escuchar música?.

Músicos como Richard Strauss o Arnold Schöenberg se interesaron en buscar nuevos timbres y sonoridades dentro de la orquesta añadiendo nuevos instrumentos alejados de los que se conocen como “tradicionales”.

A lo largo del tiempo con el desarrollo de los medios tecnológicos los recursos de que dispone un compositor han ido aumentando. En 1909, Luigi Russolo en su “Manifiesto Futurista” habla de combinar sonidos procedentes de máquinas y no de instrumentos musicales tradicionales y combinar esos sonidos con un criterio artístico o basándose en la imaginación del creador. Corrientes musicales vanguardistas como la música electrónica y la música electroacústica entre otras hacen uso de la tecnología del momento en sus procesos creativos. Uno de los debates que surgen con la incorporación de la tecnología en la creación musical es ¿cómo quedan definitivamente las figuras del compositor e intérprete?.

La propia naturaleza de la música hace que, como indica Raúl Angulo en su artículo, “La música, arte interpretativo” sea un arte diferente a las demás ya que por ejemplo, cuando el pintor o el escultor terminan su cuadro u objeto es percibido por el público como tal. Sin embargo la obra del músico plasmada en la partitura, no es ningún objeto sonoro. Para convertirse sonido y necesita de un segundo momento o fase, y esto es obra del intérprete. Así el intérprete tiene la posibilidad de realizar múltiples cambios. ¿Dónde está el límite en esos cambios? En mantener el espíritu de la obra fiel al original ya que la tarea del intérprete es ejecutar la obra anotada en la partitura.

Con la aparición de la música elaborada con dispositivos electrónicos la duda queda resuelta: las figuras de compositor e intérprete se funden una sola. Ya no existe como el siglos anteriores un creador musical y bien diferenciado de él un ejecutante que transforma en sonidos todo aquello que el compositor plasma en un pentagrama. Imaginemos una sesión de un Disc Jockey: él utiliza la mesa de mezclas, reproductor de sonidos etc. pero no es compositor de la música o sonidos que se escuchan, está más cerca de ser un “improvisador” que combina todo el material sonoro del que dispone de acuerdo a sus gustos, experiencia o pericia. Tampoco se trata de un “intérprete” convencional ya que los sonidos que de su sesión salen no los produce él sino la máquina que manipula.

De acuerdo a este nuevo perfil de creador-intérprete la industria de entretenimiento hace que con sus poderosas campañas publicitarias los gustos de la gente joven, sobre todo, vayan girando entorno a esta nueva fórmula musical donde en ocasiones no es necesaria ni una formación musical básica para combinar esos “nuevos sonidos”. De esta manera y teniendo al público ya “orientado” hacia sus propios intereses se ve en la necesidad de ampliar su producción y satisfacer la demanda de productos musicales electrónicos muchas veces de dudosa calidad. ¿Cómo se puede detener este ciclo?. Ni siquiera el ejecutante de la música electrónica domina el arte de la música desde sus fundamentos más básicos y reglas establecidas.

Por otro lado en la cadena de registro, reproducción y distribución de cualquier tipo de música la tecnología juega un papel fundamental. Uno de los principales avances tecnológicos de los que se “sirvió” la música para mejorar el almacenamiento y posterior reproducción en soportes físicos como el CD, minidisc etc. fue la grabación digital que elimina cualquier ruido o sonido adicional a la propia música como la aguja tocando el disco o el cabezal de la cinta tocando la cinta grabadora. Así el sonido obtenido mediante un registro digital es idéntico al original.

Existen otras muchas vinculaciones entre el fenómeno musical y la tecnología como el uso de la música en radio, televisión, cine etc. pero desde el análisis de la perspectiva en que se ha abordado este artículo parece que la tecnología musical no exige nada a la música, simplemente se pone a su servicio para facilitar procedimientos que a la propia música le interesan como son su distribución entre el gran público, que pueda ser “guardada” en soportes en que no pierda calidad, su reproducción sea fiel reflejo del sonido original etc. mientras que la tecnología aplicada al proceso creativo de una obra puede incorporar elementos novedosos frente a los sonidos de los instrumentos tradicionales. El surge cuando esa tecnología aplicada a la composición sea el fin en sí mismo. En ese momento el hombre es esclavo de la misma y puede caer en recurrir a ella cuando sus ideas musicales no fluyan con claridad y por tanto la música perdería su identidad. Al escuchar esa música ya no será la expresión interior de un artista sino casi una “evasión” de sí mismo tratando de que la tecnología sustituya el proceso creativo y artístico del hombre.

EMOCIONES Y MUSICA ¿SE RELACIONAN?

Las líneas troncales para las circuitos que controlan las emociones se establecen antes del nacimiento. Los padres intervienen en ello de modo determinante.
Probablemente, la mayor influencia es la que el psiquiatra Daniel Stern llama "AFINACION", proceso mediante el cual los adultos que rodean a los bebés refuerzan los sentimientos internos de los niños.
Cuando se tiene contacto con un bebé a través de una sonrisa y un abrazo, si él refleja su excitación, sus circuitos de las emociones son fortalecidas.
La clave aquí es que el proceso tiene que ser repetitivo. Es el patrón de conducta el que cuenta y puede ser muy poderoso. En uno de los estudios del Dr. Stern, se refiere el caso un bebé cuya mamá nunca reafirmó el nivel de excitación con él. Ello alentó que se convirtiera en un ser extremadamente pasivo e incapaz de sentir excitación o alegría.
La experiencia también conecta con el circuito de "tranquilizar". Daniel Goleman lo describe en su libro "Inteligencia Emocional"; no es lo mismo, en definitiva, si un padre calma tranquilamente a su bebé que llora, respecto de otro que lo avienta a la cuna; o entre una madre que acaricia a su bebé cuando llora y otra que se desespera y se altera. Estas primeras respuestas son afinadas con el stress del bebé.
Entre los 10 y 18 meses, un clúster de células en la corteza cortical pre frontal está ocupada en conectarse con la región emocional.
Stress y momento difíciles constantes reactivan los circuitos emocionales.
Pero, retomando nuestro tema central, la música tiene la capacidad de transformar las emociones convirtiéndolas en amor y momentos de alegría y ternura, contribuyendo al desarrollo armónico del pequeño.

¿QUE SUCEDE AL ESCUCHAR MUSICA? 

Howard Gardner, autor de la teoría de las inteligencias múltiples, dice que existen seis inteligencias humanas que están relacionadas con las áreas del cerebro y sus procesos. Una de estas inteligencias - la pertinente al tema que desarrollamos - es la así llamada por él inteligencia musical, en que la percepción auditiva del bebé es la primera constatación de que existe algo más allá de él, con la cual se relaciona.
La música estimula el desarrollo del cerebro y su estructura razonable, en tanto facilita el establecimiento de la red neuronal que permite mejorar la función cerebral. Platón afirma que "La música es el instrumento más potente que ningún otro para la educación."
Ahora los científicos saben por qué la música entrena al cerebro para aumentar y mejorar las formas del pensamiento.
Asi mismo, entre más temprano sea el entrenamiento musical es mucho mejor para estimular las habilidades de pensamiento en sus hijos.
Los niños son capaces de aprender más cuando son chicos; obviamente, todos continuamos aprendiendo durante el resto de nuestra vida, pero las "ventanas para el aprendizaje" se mantienen en condiciones óptimas aproximadamente, hasta el lapso comprendiendo entre los 10 a 14 años. Son cerebros jóvenes para procesar información.

Ciencia y música son viejas compañeras. El lenguaje universal de la música ha sido invocado frecuentemente por la ciencia para describir y comprender el mundo. A su vez, muchos músicos han utilizado la ciencia como inspiración para sus creaciones. Sin duda, la astronomía es la disciplina que más se ha beneficiado de esta simbiosis. Veamos algunos ejemplos: